L’homme-singe, c’est Dev Patel. Ou plutôt le “Kid”, combattant clandestin qui court après le rêve de voir couler le sang des assassins de sa mère : un flic véreux et un gourou en plein power trip. Jusque-là, rien de nouveau sous le soleil asiatique ; une vendetta comme on en a déjà vu chez Park Chan-wook ou Kim Jee-Woon. Pourtant, Dev Patel fait de ce premier essai le terrain de jeu parfait pour ses expérimentations.

Halim et Mounir, deux musiciens de seconde zone, mettent par hasard la main sur un cahier qui réalise les vœux qu’on y inscrit. Un jour, Mounir fait accidentellement disparaître tous les hommes de la Terre. Jadis souffre-douleurs de leurs pairs, les deux compères, derniers spécimens d’un genre sur le point de s’éteindre, voient tous les regards (féminins) se braquer sur eux. Une sorte de Death Note à la sauce marocaine, en somme, mais dont on a du mal à retenir quelque chose. Le film peine à décoller et n’atteint jamais vraiment son altitude de croisière.

Même si cet anime fait de gros efforts pour vous expliquer ce qu’il est, il s’adresse quand même aux fans du matériau d’origine : un manga à succès (13 tomes parus en français) sur un couple de super-espions sous couverture, dont chacun ignore que l’autre est un agent, sous le regard de leur petite fille adoptée capable de lire dans leurs pensées.

Trois gamins à moto, une mère malade, une méchante sorcière à la tête d’un gang de braconniers et une petite fée… Les ingrédients sont nombreux et le moins que l’on puisse dire, c’est que le réalisateur Weston Razooli ne manque pas d'imagination pour composer ce conte d’une simplicité effarante ! Ici, nos trois cool kids en quête d’amusement proposent à leur maman malade de troquer le mot de passe de la télévision contre une tarte aux myrtilles. Problème : il n’y en a plus à la boulangerie. Ils se mettent du coup en tête de réaliser le fameux gâteau eux-mêmes.

C’est l’histoire d’une reconstruction a priori vouée à l’échec. Le combat quotidien que s’inflige pendant deux ans Steven McRae, danseur étoile du Royal Ballet de Londres, après une grave blessure au tendon pour revenir au niveau qui était le sien avant de s’effondrer sur scène. Au plus près de son sujet dans les moments d’abattement comme dans ceux où l’espoir renaît, Stéphane Carrel signe un documentaire viscéral capable de parler aux spécialistes comme aux profanes. Il y a du Rocky dans ce Resilient man.

Vous aviez adoré La Vie invisible d’Euridice Gusmao, le sublime mélo de Karim Aïnouz et son boursouflé Le Jeu de la Reine, sa première réalisation de prestige en langue anglaise, vous est quelque peu resté sur l’estomac ? Alors précipitez- vous sans attendre découvrir ce Marin des montagnes où Aïnouz renoue avec la finesse et la sensibilité qui font le sel de son cinéma. Dans ce documentaire à la première personne, il entreprend un voyage, son premier, en Algérie, le pays natal de son père.

Nicolas Philibert clôt ici en beauté une trilogie qui restera un marqueur dans sa carrière. Un voyage en psychiatrie entamé avec Sur l’Adamant, cette péniche parisienne qui offre un cadre de soins et des ateliers culturels à des patients en souffrance psychique puis Averroés et Rosa Parks, centré sur des échanges entre soignants et malades. Ici, le réalisateur s’intéresse aux visites que font les soignants du même pôle psychiatrique de Paris Centre aux domiciles de trois patients empêtrés dans des soucis domestiques.

Nicolas Philibert clôt ici en beauté une trilogie qui restera un marqueur dans sa carrière. Un voyage en psychiatrie entamé avec Sur l’Adamant, cette péniche parisienne qui offre un cadre de soins et des ateliers culturels à des patients en souffrance psychique puis Averroés et Rosa Parks, centré sur des échanges entre soignants et malades. Ici, le réalisateur s’intéresse aux visites que font les soignants du même pôle psychiatrique de Paris Centre aux domiciles de trois patients empêtrés dans des soucis domestiques.

Lu, onze ans, coule une existence plutôt paisible dans son foyer d’accueil hollandais entourée d’enfants et de Henk, son serpent de compagnie. Un soir, sa mère disparue revient la chercher. Fard à paupière bleu ciel, short en jean et santiags de cow-boy aux pieds, Karina est une excentrique. Elle embarque sa «kiddo» sans demander l’autorisation pour sa maison natale en Pologne, où sa mère a planqué de l’argent. Avec ça, elles pourront s’acheter une maison et être heureuses ensemble.

Une immersion cinématographique fascinante dans le monde du virtuel à travers une balade dans un espace de 250 km2 au cœur du jeu vidéo survivaliste Dayz à la rencontre des gamers qui s’y sont créé des personnages pour fuir leur réalité et s’en créer une autre. Si leurs témoignages racontent avec pertinence ce besoin de recréer autrement un lien social désormais aux abonnés absents, c’est par sa mise en scène, cette manière de faire du cinéma avec les codes du jeu vidéo que ce documentaire impressionne.

En 2022, Damien Manivel (Un jeune poète) a réuni en Bretagne sept ados pour répéter un film traitant du basculement à l’âge adulte, le temps d’une dernière soirée d’été avant que la vie ne les éloigne. Ce projet prévu sous la forme d’un plan séquence n’a jamais vu le jour. Mais il a eu la belle idée de transformer ces répétitions en film qui épouse, plus qu’une pure fiction, le bouillonnement de cet âge combiné à celui de ses jeunes comédiens avides de création. Et celui qui a pu se perdre dans trop de cérébralité signe son oeuvre la plus vibrante.

Sékou travaille comme commercial à Paris pour une chaîne d’hypermarchés. Au moment où, pour la première fois, il va devoir aller en région à la rencontre de ses fournisseurs (et se heurter au racisme), débarque un de ses lointains cousins (blanc!) tout juste expulsé du Sénégal… A l’image du titre, il y a deux films dans Ici et là-bas. Le meilleur ? Le buddy movie qui confronte le jeune noir français, parfaitement intégré, mais constamment ramené à sa couleur de peau à l’adulescent blanc qui se vit sénégalais. Le moins bon ?

Si la violence sanglante d’une partie du cinéma sud-coréen est quasiment devenue un cliché de discussions cinéphiles, Kim Chang-hoon réussit avec son premier long à porter un regard neuf et personnel sur le polar local en filmant avec fracas la brutalité qui ronge deux individus de l’intérieur. L’alliance inattendue entre un adolescent en détresse qui subit les coups d’un beau-père alcoolique mais rêve d’exil européen et le chef d’une organisation criminelle qui a une vision désenchantée de l’existence va ainsi faire des étincelles au cœur d’une petite ville coréenne sans âme.

C’est l’histoire d’une traque pas comme les autres. Celle d’un serial lover qui, des années durant, a vécu avec quatre femmes en même temps sous quatre identités, métiers et nationalités différentes. De cette histoire qui a touché une de ses amies, Sonia Kronlund a d’abord fait un podcast puis un livre et ce docu (où la fiction surgit quand des actrices jouent certaines femmes réellement abusées), fruit d’un travail de 7 ans avec un détective privé. Le résultat séduit par son climat de thriller, teinté d’une irrésistible malice.

Après La Salle des profs et Pas de vagues, sortis il y a quelques semaines, un nouveau film vient raconter un conflit entre un personnage de prof et des élèves tout en montrant l’abandon du corps enseignant par sa hiérarchie. Et la spécificité de ce thriller belge signé Jawad Rhalib est d’aborder frontalement la question de l’intégrisme religieux et la manière dont il s’invite à l’école. Le récit suit en effet Amal, enseignante dans un lycée de Bruxelles qui fait étudier Le Dernier Jour d’un condamné de Victor Hugo pour lancer un débat sur la peine de mort.

LaRoy, c’est comme Fargo : une petite ville dont vous n’aviez pas forcément entendu parler avant que son nom ne devienne un titre de film.

Cinq ans après son remarquable film de procès La Fille au bracelet hélas passé trop inaperçu (malgré sa nomination au César de la meilleure adaptation), Stéphane Demoustier a décidé de passer par la case prison.

Un building post-apo, le bunker d’un savant fou, une forêt magique, les bureaux d’une start up quantique, un bled « folk-horror » : jusqu’à présent les films (et série) réalisés par Alex Garland étaient circonscrits à des espaces clos, des lieux aux frontières très dessinées, quasi infranchissables. Des endroits « hors du monde » qui racontaient le goût du Britannique pour un cinéma fantastique aux visées métaphysiques et aux échelles miniatures.

Au fond c’est quoi un film Ghostbusters ? A force de passer par de multiples itérations on a fini par s’y perdre, au point qu’il est difficile aujourd’hui de définir l’ADN d’une saga devenue polymorphe. Disons donc qu’il y a des passages obligés (la voiture, les fantômes, Bill Murray) mais qu’il faut savoir les remettre au goût du jour. C’est ce que fait La Menace de glace, suite directe de L'Héritage qui avait lancé une nouvelle équipe de chasseurs de fantômes à la poursuite des ghouls.

Rien de surnaturel dans l’arrivée d’un prequel de La Malédiction dans le paysage cinéma des années 2020. Si la franchise avait déjà connu un paresseux remake usiné par John Moore en 2006, The First Omen ne détonne pas au sein d’un paysage horrifique dominé par l’esthétique A24 et déploie l’imagerie de l’Exorcisme-porn avec application : nonnes maléfiques, bruits en latin et prêtres comploteurs dans l’Italie des années 70 (juste un cadre temporel comme un autre).

Leiba, aubergiste juif droit dans ses bottes, cherche à se protéger lorsque l’un de ses employés, un chrétien belliqueux du nom de Gheorghe, le menace de mort. Nouvelle variation autour du thème de l’antisémitisme, Semaine Sainte prend le temps de dérouler son action et choisit d’épouser le point de vue de Leiba afin d’historiographer les années qui précèdent la Shoah.

De jeunes adolescents, vivant une existence monotone sur une crique brésilienne, observent sur la plage une congénère énigmatique. En se focalisant sur une troupe d’éphèbes découvrant avec effroi les origines de leur sexualité, cette coming-of-age story peine à s’extirper d’un classicisme ampoulé, un trop-plein de personnages et une complaisance assumée venant porter préjudice à son propos.

Yohan Haddad

Au cœur de la nuit, un appel d'urgence signale à demi-mot l’agression d’une femme dans une voiture, tétanisée par la peur, et par son chauffeur. Au bout du fil, une opératrice du 112, troublée. De longues premières minutes façon polar, en apnée, qui auront suffi pour hanter le reste du film. C’est en reconstituant ce récit et ses zones d’ombres, à la manière d’un puzzle à trois visages, que les souvenirs de cette nuit tragique refont surface. Les trois sont douloureux, différemment. Chacun y fait face à sa manière.

Au cœur de la nuit, un appel d'urgence signale à demi-mot l’agression d’une femme dans une voiture, tétanisée par la peur, et par son chauffeur. Au bout du fil, une opératrice du 112, troublée. De longues premières minutes façon polar, en apnée, qui auront suffi pour hanter le reste du film. C’est en reconstituant ce récit et ses zones d’ombres, à la manière d’un puzzle à trois visages, que les souvenirs de cette nuit tragique refont surface. Les trois sont douloureux, différemment. Chacun y fait face à sa manière.

Un type passe par la fenêtre des toilettes, se saisit d’une barre de fer, entre dans un open-space, pulvérise son poste de travail avant de se jeter par la fenêtre. Il répètera cette défenestration dans un commissariat. En fait, Rafik (Majd Mastoura vu dans Les filles d’Olfa), prétend avoir le pouvoir de voler. Ce que personne ne croit évidemment puisqu’il atterrit toujours, inerte, sur le bitume. Sa belle-mère lui lance sans ironie : « Pourquoi tu as tout foutu en l’air ? » Peur du conformisme sûrement.

Xavie, réalisateur chevronné entame un tournage avec une équipe hétérogène : des élèves en cinéma novices collaborent avec des vieux de la vieille pour une œuvre qu’il imagine comme aussi représentatif que la vie. Dans cette quête vaine d’authenticité, le métafilm fustige l'égocentrisme flottant dans l’air du cinéma. Cette poursuite du réalisme absolu renvoie un galimatias difficile à interpréter. Le cinéaste raté touche du bout des doigts cette chimère inextricable, par le biais du pitoyable, où les tentatives comiques prennent l'eau.

Si les films de folk horror se reposent parfois uniquement sur une culture et des pratiques inconnues du personnage principal pour faire surgir le réel, Enys Men se distingue radicalement par son recours quasi exclusif à la nature, libérée de toute communauté. Sur une île dans les Cornouailles, une femme observe et étudie une plante, au jour le jour, et écrit dans un précieux carnet son état, stable : « no change ».

Drôle de film, qui tente la relecture de l’arche de Noé façon Star Academy, où deux souris organisent un concours de chant pour empêcher les prédateurs de bouffer tous les animaux. Carburant à un character design mollasson en forme de sous-Pixar, entre caricature et hyperréalisme, et bourré de vannes qui font jeune (Dieu reproche à Moïse de laisser des messages vocaux trop longs car il « préfère les textos »), Les Aventuriers de l'arche de Noé ne conviendra qu’à un public bien peu exigeant.

Pour son deuxième long métrage après le remarqué La Danseuse, Stéphanie Di Giusto a choisi de traiter avec douceur un sujet audacieux et peu exploré par le cinéma contemporain : celui de la femme à barbe. S’inspirant lointainement de l’histoire de la tenancière de bar Clémentine Delait, la réalisatrice place l’action dans la France de 1870 et suit les pas de Rosalie, une jeune femme au corps tout entier recouvert de poils qui décide d’abord de cacher ce secret hormonal.

Tout débute par un rendez- vous chez un médecin. Sylvie Hofmann, infirmière cadre dans un service oncologique d’un hôpital des Bouches du Rhône et héroïne – dans tous les sens du terme – de ce documentaire a perdu l’ouïe. Suspicion d’AVC, surmenage, stress… Cette scène inaugurale donne le la de ce qui va suivre : la dernière ligne droite mouvementée de Sylvie avant son départ à la retraite, au terme de 40 ans de bons et loyaux services dans le même établissement. Sébastien Lifshitz l’a suivie pendant un an.