Ce qu’il faut voir cette semaine.
L’ÉVENEMENT
PREMIÈRE ANNÉE ★★★☆☆
De Thomas Lilti
L’essentiel
Une nouvelle plongée dans le milieu médical par le réalisateur d’Hippocrate. Solide mais un peu prévisible.
NFS, chimie, iono. Encore un effort et Thomas Lilti battra les records de Hopital Central (cette série américaine qui recoud les plaies depuis 1963). Avec ce troisième film, le cinéaste continue de creuser le sillon médical et, après les internes (Hippocrate) et son Médecin de campagne, s’attaque aux étudiants de première année. Comme l’indique clairement le titre, Lilti raconte l’année de concours de deux étudiants, un redoublant méritant et un néophyte surdoué.
Gaël Golhen
PREMIÈRE A ADORÉ
THUNDER ROAD ★★★★☆
De Jim Cummings
C’est une véritable odyssée de la lose, un déferlement d’emmerdes qui n’a rien envier au Livre de Job. Thunder Road raconte la dégringolade familiale, professionnelle et psychologique de Jimmy Arnaud, un policier texan respecté qui perd à peu près tout ce qu'il avait d'important, dans une atmosphère de cauchemar éveillé.
Éric Vernay
MADEMOISELLE DE JONCQUIÈRES ★★★★☆
D’Emmanuel Mouret
Le film est simple, radical, ultra frontal. Emmanuel Mouret extrait du roman philosophique de Diderot, Jacques le fataliste, un des récits d’aventures galantes que fait le valet à son maître, sur lequel il fonde la trame narrative de son film, l’histoire d’une vengeance implacable. Madame de la Pommeraye, une jeune veuve, cède aux avances du marquis des Arcis, fieffé séducteur. Elle s’est refusée, il a insisté, elle a cédé, il s’est lassé. L’abandonnée va alors fomenter une vengeance d’une sophistication extrême pour mettre à terre le goujat, aidée de la ravissante Mademoiselle de Joncquières (Alice Isaaz) et de sa mère, deux femmes désargentées et de petite vertu. Cette première échappée historique sied parfaitement à l’introspection amoureuse qui fonde l’univers de Mouret (Caprice, L’art d’aimer). Son verbe distancié et réfléchi, sa poétisation du rapport amoureux rencontrent l’arbitraire et la violence des cœurs qui s’aiment puis se malmènent de Diderot, ainsi que sa morale Grand Siècle qui tranche comme une guillotine. Le résultat ressemble à une utopie sentimentale soudainement propulsée dans un réel amer et qui plonge personnages et spectateurs dans un vortex de doutes. La mise en scène est souple et épurée, la claque ébouriffante. Coup de chapeau à Édouard Baer et Cécile de France dont l’interprétation très organique dérange habilement ce langage surplombant et délicieux qui émane à la fois du 18ème et de l’ADN du cinéaste.
Anouk Féral
OKKO ET LES FANTÔMES ★★★★☆
De Kitaro Kosaka
Il y a des fantômes (normal), des esprits taquins, du surnaturel dans tous les coins. Okko perd ses parents dans un accident de voiture, la voilà recueillie par ses grands-parents qui tiennent une auberge traditionnelle. Elle y sympathisera avec trois fantômes enfantins qui hantent l'endroit. Malgré son pitch surnaturel, Okko et les fantômes appartient à une école fondamentalement réaliste de l'animation japonaise : l'un des films du réalisateur Kitaro Kosaka était Nasu, un été andalou (2003), sur un coureur cycliste qui fait le Tour d'Espagne. Cette tendance au réalisme -dans le découpage très calme, dans le choix des cadres à distance respectueuse, dans l'humour léger et quotidien- nous permet de nous sentir au plus près de ses personnages. Le sujet complexe et bouleversant (quand on est enfant, comment faire face au deuil ? Comment se construire une place dans le monde quand ceux qui devaient vous élever ont disparu ?) se croise au cours de ses récits multiples et fragmentés (les clients de l'auberge apportent chacun leur mini-récit qui enrichit la trame sans l'affaiblir) d'une belle réflexion sur la tradition et le passé qui évoque évidemment le fameux Your Name. (2016) et sa magie du saké, clef d'un monde étranger et proche. Ici, c'est en découvrant et en transcendant la tradition culinaire du Japon -cette scène finale de festin, bon sang- qu'Okko trouvera un moyen d'échapper au chagrin morbide pour espérer devenir une adulte. On quitte Okko et les fantômes à regret, mais avec un appétit fou.
Sylvestre Picard
PREMIÈRE A AIMÉ
LE PAPE FRANÇOIS – UN HOMME DE PAROLE ★★★☆☆
De Wim Wenders
Ses fictions actuelles sont d’une terrible médiocrité, mais Wim Wenders continue de multiplier les gestes documentaires stimulants. Avec Un homme de parole, le cinéaste a voulu témoigner de son admiration pour le Pape François. Film de commande initié par le Vatican, l’exercice aurait pu être une catastrophe, une enluminure sans distance ou une hagiographie indigeste. Il y a un peu de cela par moments, notamment dans tous les passages où l’on voit le pontife face aux pauvres, en tournée africaine ou en Argentine, étaler son dévouement christique dans des séquences qui finissent par ressembler à de la com’ interne.
Gaël Golhen
MA FILLE ★★★☆☆
De Naidra Ayadi
En 1966, Denys de la Patellière portait à l’écran Le voyage du père de Bernard Clavel. Fernandel y incarnait un paysan qui, se rendant à Lyon pour retrouver sa fille censée travailler comme coiffeuse, découvrait qu’elle lui avait menti. Un film cher au cœur de Thierry Ardisson qui– dans ses habits de producteur endossés en parallèle de son costume noir d’animateur télé - cherchait depuis longtemps à en développer une nouvelle adaptation. C’est chose faite avec aux commandes Naidra Ayadi (Césarisée pour Polisse) qui, d’abord appelé pour en écrire le scénario, signe ici ses débuts dans le long métrage. Celle- ci a choisi de transposer l’action à Paris au cœur d’une famille arabo- musulmane. De quoi moderniser sans la dénaturer cette histoire de transmission et d’émancipation violente où il s’agit de construire son propre destin. On ne vous révèlera évidemment pas ce que le père et la petite sœur de cette jeune fille montée à la capitale découvriront à propos de son parcours chaotique. Même si Naidra Ayadi ne joue à aucun moment sur un quelconque suspense. L’essentiel n’est pas ce que va découvrir ce père mais l’acceptation forcément douloureuse de cette vérité par celui qui voit vaciller toutes les bases de l’éducation inculquée à ses enfants. Ma fille avance à son rythme avec une force paisible qui donne de la densité à son apparent classicisme. Cette force paisible qu’on retrouve dans la composition toute en retenue bouleversante de Roschdy Zem. L’expression « tenir un film sur ses épaules » lui sied à merveille.
Thierry Cheze
LE TEMPS DES FORÊTS ★★★☆☆
De François-Xavier Drouet
Un film qui décrit l’intense industrialisation actuellement subie par la forêt française peut-il être captivant ? Oui, nous prouve François-Xavier Drouet qui a recueilli au cœur des Landes, des Vosges ou du Limousin les précieuses paroles de forestiers et d’acteurs de la « sylviculture ». On découvre ici tous les contours d’une gestion productiviste des forêts qui multiplie les champs d’arbres artificiels et heurte autant l’écosystème que la conscience des professionnels du secteur. Rempli d’images imposantes (les plans qui montrent d’assourdissantes machines dévaster l’environnement évoquent le cinéma de James Cameron), ce documentaire clairvoyant révèle à quel point la production du bois et l’exploitation forestière sont des sujets d’intérêt général qui conditionnent d’ores et déjà les paysages du futur.
Damien Leblanc
PREMIÈRE A MOYENNEMENT AIMÉ
PEPPERMINT ★★☆☆☆
De Pierre Morel
Avec Peppermint, le réalisateur de Taken délaisse les héros pour une héroïne. Jennifer Garner incarne Riley, une mère de famille qui, après la mort brutale de son mari et de sa fille, assassinés par des barons de la drogue, se transforme en une machine à tuer. N’ayant plus rien à perdre, elle est prête à tout pour obtenir vengeance, y compris tuer des bad guys à tour de bras, mettre à mal un trafic de drogue et démasquer des ripoux. La justicière est soutenue par les internautes sur les réseaux sociaux, qui la considèrent comme une héroïne, mais la police ne voit pas cette affaire tout à fait du même œil … Jennifer Garner, plutôt convaincante, fait le job, alternant scènes d’action et moments d’émotion. Mais ni l’histoire, cousue de fil blanc, ni les personnages, pas toujours crédibles, ne parviennent à convaincre.
Maxime Grandgeorge
DOVLATOV ★★☆☆☆
De Alexey German Jr.
Le cinéma littéraire, cet épouvantail décati contre lequel nous n’avons généralement plus besoin de lutter, a trouvé un allié de poids en la personne d’Alexey German Jr. La particularité du réalisateur, outre son identité slave portée en étendard et sa prestigieuse ascendance (comme son nom l’indique, c’est le fils de son père), est de concevoir des plans-séquences et des mouvements d’appareils ultrasophistiqués pour filmer des conversations, réglant comme au théâtre chaque entrée, sortie et interaction de ses personnages dans un cadre millimétré (appartement, bureau, parc public, etc.). Ce qui nous faisait dire, à la sortie de Soldat de papier en 2010, que « le vrai problème de ce réalisateur de 34 ans, c'est qu'il paraît en avoir 1000. » Huit ans plus tard, ce goût du dispositif est mieux assumé que jamais, en phase avec un sujet littéralement littéraire : six jours dans la vie de l’écrivain Sergueï Dovlatov, à une époque (le début des 70’s) où l’art (occidental notamment) était une denrée de contrebande et où l’avant-garde tentait de résister au contrôle de l’état soviétique. Complétant la mise en scène, la photographie sépia, les costumes gris-taupe, les extérieurs embrumés, les aphorismes (« Il faut du courage pour n’être personne, et rester soi-même ») et le manichéisme satisfait (artistes courageux, populace veule) forment un objet verrouillé, tout entier voué à l’idéalisation d’un passé non vécu, où l’auteur ne cesse de signer sa présence. Un idéal de cinéma littéraire comme plus personne n’ose en faire, et dont on doit bien reconnaître la virtuosité, à défaut d’y adhérer.
Michaël Patin
PREMIÈRE N’A PAS AIMÉ
SEARCHING – PORTEE DISPARUE ★☆☆☆☆
De Aneesh Chaganty
Une étudiante qui vient de perdre sa mère disparaît. Sans nouvelle, son père s’inquiète, appelle les flics et puis se met à fouiller son ordinateur. Surprise : celle qu’il prenait pour une jeune fille épanouie est en fait très seule et vaguement dépressive. C’est un peu mince quand même. D’ailleurs, Aneesh Chaganty tente de dépasser la banalité de son script en greffant sur cette histoire un dispositif de cinéma aussi énorme que routinier : tout le film est vu à travers des écrans. Portable, ordinateur, caméra de surveillance, facebook live et chat vidéo : les actions et les révélations sont toutes filtrées à travers les prothèses numériques d’un monde surconnecté. Intéressant… si Chaganty avait su dépasser l’aspect mécanique du concept pour tenter un début de réflexion métaphysique ou sociale. Ici, ça n’est qu’un simple écran de fumée.
Gaël Golhen
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